在上海了！
在一个工作日搬家，下午去了西岸美术馆。
西岸美术馆也是在著名的好地方徐汇滨江，由英国著名建筑师戴卫·奇普菲尔德带领的建筑事务所担纲建筑设计，一开馆就开始了与蓬皮杜中心的五年展陈合作项目。
今年已经是第二年了。
参观规则：
专栏“西岸美术馆”预约（进馆免费）
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购买展览门票
（单独个展100元；展览联票180元）
展馆内空调超低，务必外套。
抽象艺术先驱：康定斯基
康定斯基（1866-1944）出生于俄罗斯，从法律和经济学毕业后在大学执教。30岁时他辞去教职工作前往德国慕尼黑学习艺术，而后创造的「抽象绘画」概念推动了20世纪及21世纪的艺术发展。对于他来说，现代艺术不是着重于对自然实体的描摹，而是透过形状和色彩等主观方式来表达的艺术形式。
“色彩是琴键，眼睛是琴锤，而心灵则是钢琴的琴弦。画家则是弹琴的手指，引发心灵的震颤。”
—— 康定斯基
康定斯基30岁那年前往慕尼黑学习绘画，后来，他又和艺术家加布里埃尔·蒙特一起穿越了欧洲和北非。他早起的作品像印象派画家一样，在户外绘画时着重于对现实的感知，以涂抹色块的方式进行创作（就有点莫奈）⬇️
《突尼斯：海岸写生》 1905
同时，作为一个俄罗斯人，他也有使用蛋彩画技术，描绘一些受俄罗斯民间传说启发的场景。蛋彩画是一种古老的绘画技法，是用蛋黄或蛋清调和颜料绘成的画，多画在表面敷有石膏的画板上。
《芭芭雅嘎》里描绘了俄罗斯儿童神话里会吃小孩的女巫。对民俗文化的喜欢，也让他从创作开始就一定程度上抛弃了现实主义。
【穆瑙：抽象的突破】
旅行结束返回慕尼黑之后，康定斯基在穆瑙小镇度过了夏天。从1908-1909年，他逐渐摆脱了对现实的写生，放弃与客体或人物的任何关系，而是让画布变成形状和颜色多重对立的场合。
《即兴》汲取了北非的一些灵感，比如建筑顶楼的露台和左侧两个穿着绿色拉结巴长袍的人物。这幅作品属于《即兴》系列，很大程度上无意识的自发表达，而非对客观现实的描摹。画面中心带兜帽的骑士很像巴伐利亚民间圣乔治/圣马丁的形象，which经常出现在教堂彩色玻璃上的宗教故事里。
《有红迹的画》是康定斯基在慕尼黑时期的抽象巅峰之作，画中对客观世界的描绘几乎完全不存在了。在画中世界，康定斯基通过彩色点绘重叠，探索着色彩之间的冲突关系。画面左上方的“红迹”是wei yi唯一边缘清晰的色块，康定斯基自己的解释是，这块红色意味着“充溢着激烈与躁动的生命”和“一种广阔无边，不可抗拒的力量”。⬇️
【俄罗斯：间奏岁月】1914-1921
1914年一战爆发后，康定斯基不得不返回俄国。然鹅俄国此时也变化中（狗头），作为资本家有钱人的康定斯基大量财产被充公，在7年里康定斯基没有创作一幅油画作品，只是画了很多抽象风格的手稿和水彩。
1917年，康定斯基结婚了，也在这短暂的阶段，他以他的休息的小镇和妻子为主题，重新回到了具象绘画的创作。（也是我非常喜欢的一组⬇️）
1921年，由于政治和艺术上的孤立，康定斯基再次离开俄国前往德国。
从1922到1925年，康定斯基在魏玛包豪斯教书。这段时间，他使用基本的形状—三角形、正方形、圆形等元素，让画作呈现出严谨的几何化风格。But sadly，1933年包豪斯迁址柏林并关闭，而随着希特勒上台，康定斯基最终流亡巴黎。
《白色之上》 1923年
1922年，康定斯基应“无评委艺术展”邀请为展厅入口进行壁画设计。他用水粉颜料设计了5张手稿，让学生将它们放大后在场馆进行布置展示。（西岸美术馆的复原呈现⬆️）
《在棕色中的展开》⬇️是康定斯基从包豪斯过渡到巴黎时期的转型之作，在令人极度担忧的政治背景下，画面中两块巨大的棕色（棕色在艺术创作中曾经指代纳粹）包围着一处明亮的天井，而天井中的尖角向上则代表着积极的能量。
康定斯基在巴黎度过了生命的最后11年。与巴黎年轻的超现实主义艺术家们的接触让他的作品持续演进，柔软的非几何轮廓的生物和动物形态与明亮色调充斥着画作。
创作于1936年的《作曲》是康定斯基最后的大型画作之一，构图围绕彩色对角线展开，色块上又散布着细小抽象的色块。类似胚胎、蔓藤花纹、幼虫的有机形体构成了新的微观宇宙。
事实上，康定斯基的晚年并不富裕，物资的匮乏与战乱如噪音一般包围着他，但与之相反的是，他的画变得越发明亮。对于某些物象形式的回归并不意味着艺术家在追求秩序上开始倦怠，而是他对于生命本身不曾停止的表达。在《点线面》的最后，他写道，“世间万象，杂乱无序。构成的规则让其有章可循。”
“万物的声音”汇集了超过160件蓬皮杜的作品，一共18个章节，从立体主义先驱、达达主义与超现实主义的先锋人物到当代观念艺术前卫代表，乔治·布拉克(Georges Braque) 、巴勃罗·毕加索 (Pablo Picasso)、马塞尔·杜尚(Marcel Duchamp)、让·丁格利(Jean Tinguely)等艺术家的重要作品按照时间顺序展开。
展览的前半部主要在呈现先锋艺术家的世界，以杜尚创造的“现成品”艺术为代表，展示如何用创意推翻一切旧程式；展览的后半部则透过波普艺术家、新现实主义和激浪派运动的成员的视野再现在消费主义盛行下，“物”在艺术中的角色。
【立体主义】
立体主义(Cubism)1907年始于法国，追求碎裂、解析、重新组合的形式，形成分离的画面，由当时居住在法国的布拉克和毕加索建立。
艺术家以许多的角度来描写对象物，将其置于同一个画面之中，以此来表达对象物最为完整的形象。背景与画面的主题交互穿插，让立体主义的画面创造出一个二维空间的绘画特色。
第一个展厅就出现了毕加索⬇️
这幅叫《含古代头像的静物》是毕加索1925年的作品，和后面有名的《格尔尼卡》等作品相比依然有比较强烈的古典主义传统色彩，在用古典主义常用的元素进行空间布局的实验。深色背景上的白色线条绘画方法也是对古希腊瓶画作的借鉴和致敬。而果盘、吉他、书和石膏头像模型这些比较具象的元素也都是画家和雕塑家工作室的传统标志。
另一位立体主义大佬布拉克的作品《吉他与水果盘》⬆️作为一名音乐爱好者和乐器收藏夹，这幅布面油画里包含了一只单簧管和一把吉他，在经过了一些切割和平面叠加之后更像是一张拼贴画。
展览还放映了一部毕加索绘画的写实纪录片，无奖竞猜，毕加索正在画的红色颜色的部分是个啥？
费尔南·莱热在立体主义时期会把各种常见物体以孤立&特写的方式呈现在大画幅上，比如这幅《手和帽子的构成》，在帽子、汤匙、酒瓶等常见要素之外，露出的半张侧脸时候当时的巴黎演员蒙帕纳斯的吉吉。
查了一下，那个女演员其实长这样⬇️她原名爱丽丝·埃内斯汀·普林，吉吉是她的第一位情人、画家莫里斯·梅德吉兹基为她取的名字。
短发、烈焰红唇、举止间的自由和叛逆让她在艺术圈很吃香，在《吉吉回忆录》英语版的序言中，海明威以对偶像以狂热崇拜的口吻赞美道：“写这本书的女性从来就不是一位淑女，而是女王。无可置疑，吉吉对蒙帕纳斯的这一时代的掌控更甚于维多利亚女王对她自己王国的控制。”（次元壁破了！）
【达达主义】
在立体主义以后逐渐发展起来的达达主义者认为“达达”是一种“反艺术”。无论现行的艺术标准是什么，达达主义都与之针锋相对。传统艺术品通常要传递一些必要的、暗示性的、潜在的信息，而达达者的创作则追求“无意义”的境界。对于达达主义作品的解读完全取决于欣赏者自己的品味。
达达主义的朋友们一起改造物体，给他们分配新的角色和名称，并且拒绝一切理性主义和逻辑。比如曼·雷的《礼物》⬇️
这是1921年曼·雷在巴黎举行的一次展览的开幕式上，与作曲家兼钢琴家埃里克·萨蒂相遇的产物。他们一起找到了一家厨具商店，曼·雷在里面买了个熨斗，并在底部钉上了一排钉子......就成了《礼物》。
【超现实主义】
超现实主义在达达主义之后，致力于探索人类经验的先验层面，力求突破合乎逻辑与真实的现实观，尝试将现实观念与本能、潜意识与梦的经验相揉合，以展现一种绝对的或超然的真实情景。
以马格里特为代表的超现实主义艺术家，把对物的怀疑和想象化为了取之不尽的视觉诗意。前半部分的最后两个空间则呈现了摄影对物的歌颂，以及设计对物的极限的挑战、对物的功能和精神属性的质疑。
马格里特1927年的《双重秘密》⬆️灵感来自“拼贴手法”，揭示了图像的人造属性和平面性。一个性别不明的头部被切下巨大的一片，内部装满了小铃铛。在狂欢节中，佩戴铃铛被认为是疯子的象征之一。
法国作家皮埃尔·罗伊绘画的风格在于日常物品间不和谐的碰撞，而且这些物品的体积关系通常是颠倒的。《乡下的一天》灵感来源于他的童年、凡尔纳的作品和法国乡村的风景，在一个假的木框中，一杯巨大的葡萄酒伫立在一个微型城堡之前。
展览后半部分则在探索第一次世界大战后，随着消费社会的到来，物在艺术中被感知的方式是如何转变的。面对消费主义背景下的商品过剩，波普艺术、新现实主义，以及激浪派运动的成员通过艺术创作构建全新的情感维度。一些艺术家通过收集物品来展现自我精神的求索和探知，作品成为“个人神话”叙事的载体。
这部分的艺术家都不太熟悉，作品呈现形式也有巨大的变革，更多就是......看个热闹⬇️
《架子鼓幽灵》 克拉斯·奥登伯格
盖伊·奥伦蒂 《巡回桌》，1993年
印度艺术家苏伯德·古普的《姐妹》⬆️在印度被当作财富指标的厨房用具代表了婚礼上女方所提供的嫁妆，而这些嫁妆往往会让一个印度家庭陷入严重贫困。
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